|
Казань, Издательство «Магариф-Вакыт», 2011.
Руководитель проекта и автор-составитель – член Союза писателей РТ, лауреат премии им. Дж.Валиди И.Илялова.
Издание подготовлено под руководством издателя и писателя М.Валеева.
Первая книга «Народные артисты» (СССР, РСФСР, ТАССР) об актерах, работавших и работающих в Татарстане была издана в 1980 году. За прошедшие три десятилетия около 200 новых актеров удостоены званий народных артистов России и Татарстана. В эту книгу вошли артисты всех татарских, русских драматических, кукольных театров республики, актеры театра оперы и балета. За пределами данной книги остались артисты эстрады, педагоги творческих учебных заведений и др., так как в один том вместить более 200 имен не представляется возможным. О них должна быть создана другая книга.
СЛАВУТСКИЙ АЛЕКСАНДР ЯКОВЛЕВИЧ
Родился 24 ноября 1947 г. в г.Челябинске. В 1968 г. окончил студию при Челябинском драматическом театре им. С. Цвиллинга, в 1968—1969 гг. актер Челябинского ТЮЗа, в 1969—1974 гг. режиссер молодежного театра при ГК ВЛКСМ, одновременно учился на режиссерском факультете Высшего театрального училища им. Б. Щукина (Москва). В 1974—1975 гг. режиссер Новокузнецкого драматического театра им. С. Орджоникидзе, в 1975—1979 гг. и в 1980—1981 гг.— режиссер Челябинского областного драматического театра, в 1981—1987 гг. — главный режиссер Читинского театра, в 1987—1993 гг. — художественный руководитель Ростовского академического театра им. М. Горького, с 1994 г. главный режиссер, с 2007 г. художественный руководитель-директор Казанского академического русского Большого драматического театра им. В. И. Качалова.
Заслуженный деятель искусств РСФСР (1986).
Народный артист РФ (1998), РТ (2011).
Лауреат Государственной премии РТ им. Г. Тукая (2000), премии Правительства РФ им. Ф. Волкова (2010), награжден орденом Дружбы.
В первый сезон работы в Казанском Большом театре Славутский поставил пять спектаклей, из которых четыре были, по сути, повторением с новым актерским составом старых постановок, сделанных в прежних театрах. Исключение представлял спектакль «Счастье — это ты!», состоящий из двух новелл по рассказам Б. Л. Васильева и А. П. Довженко, посвященных событиям, происходящим накануне и в первый год Великой Отечественной войны. Весной 1995 года страна отмечала 50-летие Великой Победы, и спектакль, решенный в кинематографическом стиле — дуэтные сцены на фоне разворачивающихся масштабных массовых сцен,— вполне соответствовал своему назначению, возвращая зрителя в атмосферу грозных лет.
Эти пять спектаклей, в принципе, заявили стиль и метод режиссуры Славутского, обусловленный стремлением к передаче масштабности происходящих на сцене событий и яркой зрелищности сценического действия. В последующие годы он ставит по две-три постановки за сезон, иногда ограничивается одной. Постановки других режиссеров допускаются редко и, как правило, быстро сходят со сцены. Славутский строит театр одного стиля, где все — от афиши спектакля, программы, буклета, оформления театральных фойе, сценического оформления до последнего предмета реквизита на сцене — подчинено заданному направлению. На протяжении всей своей сценической практики Славутский работает с одним художником — А.М.Патраковым, который в значительной степени является сопостановщиком спектаклей, поскольку создаваемый им пространственно-фактурно-вещественный образ во многом определяет не только стилистику спектакля, но и мизансценический рисунок, и образное решение главных действующих лиц. Более чем сорокалетний тандем основан, очевидно, на взаимопонимании и общих художественно-постановочных принципах. Тем не менее и сегодня Славутский сам выбирает в магазинах ткани для костюмов, обувь, головные уборы, аксессуары, придирчиво отбирает используемый для спектакля реквизит.
Тщательность в продумывании будущего замысла спектакля, стремление к четкой законченности, графической завершенности рисунка каждой мизансцены заложены в стилистике работы Славутского. К актерам он приходит с готовым замыслом, где все продумано от начала до конца — каждый жест, каждый поворот головы, интонация каждой фразы. Репетиции на сцене начинаются только тогда, когда оформление готово полностью, все стоит на своих местах — каждый стул и каждая мелочь на столе.
Естественно, что и мизансценический рисунок выстраивается очень жестко и максимально подробно.
Достаточно часто и активно Славутский использует в спектаклях музыку и хореографию, хотя не в каждом спектакле они попадают в русло действия, а служат лишь для усиления зрелищности. Впервые в практике Казанского Большого театра он обратился к жанру «мюзикл». Первым опытом освоения этого жанра стал спектакль по повести М. А. Булгакова «Роковые яйца», музыку к которому на стихи Ю. Е. Ряшенцева по заказу театра написал композитор В. С. Дашкевич (в 2011 году, к 120-летию М. А. Булгакова, режиссер сделал вторую версию этого спектакля, более динамичную и содержательную). Стремление охватить в одном спектакле всю картину социальной катастрофы послереволюционных лет и одновременно зримо и вещественно воплотить пророчески-фантасмагорические видения писателя, для чего пришлось прибегнуть к спецэффектам, не всегда способствовали ясному и отчетливому донесению авторской мысли, хотя в целом это была смелая и оригинальная попытка средствами музыкально-сатирической драмы передать идею булгаковской повести.
Более целостной в художественном отношении стала постановка мюзикла Д. Бока — Д. Стайна «Скрипач на крыше» на сюжет романа Шолом-Алейхема «Тевье-молочник». В этом спектакле все оказалось в гармоничном единстве: выразительно оформление, хореографические и вокальные номера естественно вплетаются в диаложные сцены, становясь их неотъемлемой и важной эмоциональной частью. Спектакль получил широкий общественный резонанс, был удостоен Государственной премии РТ в 2000 году и многие годы пользуется успехом у зрителя.
Оригинальным решением отличается постановка пушкинской повести «Пиковая дама». Заснеженные окна петербургских дворцов, за и между которыми двигаются в танце под трагически-тревожную музыку А. Пьяццолы одетые в причудливые костюмы и маски фигуры, являют собой образ петербургского бала-маскарада, некую реминисценцию по поводу знаменитой лермонтовской драмы. На фоне этого таинственного и почти непрерывного маскарада разворачивается история Германна, Лизы и Графини. Жанр спектакля можно с известным допущением определить как своеобразный драматический балет, в котором танец прерывается короткими, но выразительными драматическими сценами, весьма немногословными, но передающими атмосферу аристократического светского Петербурга начала позапрошлого века. Отсутствие полноценного текста, однако, сместило акценты повести: центром спектакля стала Графиня с ее самодурством и ее воспоминаниями, судьба Германна — основного героя пушкинской истории — отошла на задний план. Однако самый замысел и пластически-художественное решение спектакля безусловно заслуживают внимания, не случайно спектакль с успехом был представлен на многих театральных фестивалях.
Постановка пьесы Б. Брехта «Трехгрошовая опера» с музыкой К. Вайля в жанре мюзикла, ярко-красочная по своему пространственному и фактурно-цветовому решению, оказалась несколько перегруженной как со стороны оформления, так и со стороны обилия хореографических номеров, что в значительной степени снизило брехтовскую остроту и публицистическую направленность пьесы. Кинематографический прием наплывов, чередования крупных и общих планов использует постановщик в решении спектакля по сценарию И. Квирикадзе «Американская шлюха, или Путешествие по России с папой-алкоголиком». «Визит дамы» Ф. Дюрренматта, по замыслу режиссера и художника, происходит на виадуке, перекинутом над железнодорожным полотном, по которому приходит поезд с Кларой Цеханасьян, а затем увозит ее из города с телом ее бывшего возлюбленного в гробу. Действие «Вишневого сада» А. П. Чехова режиссер сужает до интимных пределов, усаживая зрителей непосредственно на сцене по обе стороны длинного деревянного помоста, по которому, как по логарифмической линейке, передвигается условный дом-шкаф из разноцветных прутьев, хрупкий, эфемерный. Здесь же, на площадке, устраивается клезмерский оркестрик, который играет и при встрече Раневской и при расставании, и на протяжении всего спектакля; веселятся съехавшиеся соседи, а потом, неловко споткнувшись, лежит Фирс в облезлом полузипуне. Действие «Дядюшкина сна» по повести Ф. М. Достоевского разворачивается среди черных тюлевых занавесей, создающих картину чего-то призрачного и сомнительного.
Спектакли Славутского — а им за 17 лет работы на сцене Казанского Большого театра осуществлено 28 постановок — отличаются разнообразием формы, нетрадиционностью режиссерского решения, насыщенностью использования режиссерских выразительных средств, света, музыки, хореографии и в этом смысле являют собой пример сугубо режиссерского театра. Они рассчитаны, в первую очередь, на эффект яркой зрелищности, занимательности.
Спектакли в постановке Славутского неоднократно показывались на международных и всероссийских театральных фестивалях как в России: в Пскове, Новгороде, Йошкар-Оле, Ярославле, Самаре, Тамбове, Челябинске, Магнитогорске, Санкт-Петербурге, так и за рубежом: Вильнюсе (Литва), Хельсинки (Финляндия), Анкаре (Турция), Охриде (Македония), Пазарджике (Болгария), на шести фестивалях русского театра в Марселе (Франция), награждались призами и дипломами. Неоднократно театр со спектаклями Славутского выступал в Москве, ежегодно выезжает на гастроли по крупным городам России. Славутский ставил также спектакли и за рубежом: на Мальте, в Болгарии.
Как художественный руководитель, Славутский много внимания уделяет вопросу профессиональной подготовки и воспитания кадров, за годы работы в Казани подготовил два выпуска актеров в созданной им самим при театре студии — филиале Российской академии театрального искусства.
Ю. Благов
|
|